영국 디자인의 상징적 인 시대

지난 50 년 동안 영국 그래픽 디자인은 지구상에서 가장 영향력 있고 널리 사용되는 시각적 언어로 자리 매김했습니다. 전후 모더니즘 운동 이후로이 작은 섬은 스위스 모더니즘에서 다다이즘, 바우 하우스에서 상황주의에 이르기까지 영향을 받아 진정으로 특이한 작품을 뱉어 내기 전에 각각을 깎아 내리고 새겼습니다.

영국 디자인은 접근 방식과 실행 방식 모두에서 독특하며, 대중 시장 공격 라인과 Penguin Books 및 Routemaster 버스 포스터와 같은 고전적인 디자인과 Jamie Reid의 펑크 미학의 타의 추종을 불허하는 에너지 및 태도의 균형을 유지합니다.



Alan Fletcher의 유럽과 미국 디자인의 모더니스트 융합부터 1980 년대 Neville Brody의 10 년 정의 비주얼 작업에 이르기까지 영국의 그래픽 디자인은 전 세계에 걸쳐 현대 그래픽 디자인을 주입하고 형성하며 궁극적으로 영감을 얻었습니다. Barnbrook에서 Brody, Calvert에서 Garrett, Alan Fletcher에서 Barney Bubbles까지 영국은 역대 가장 중요한 디자이너를 배출했습니다. 유명한 디자인 해설가이자 작가 인 Adrian Shaughnessy는 '이 모든 수치에는 공통점이 한 가지 있습니다. '아늑한 영국 전통주의의 개념에 맞는 사람은 없습니다.'



전후 1950-1979
1951 년 5 월, 영국 페스티벌은 영국 디자인과 문화에 대한 대담한 새로운 비전을 열었습니다. 제 2 차 세계 대전의 폐허 이후 미래를 엄격하게 바라 보면서 영국 축제는 전시회 포스터부터 행사를 기념하기 위해 만든 기념 우표에 이르기까지 모든 것을 반영한 모더니스트 전망을 축하했습니다.

6 개의 주요 전시회를 방문한 천만 명의 방문객 중에는 2 년 후 왕립 예술 대학에서 콜린 포브스, 테오 크로스비, 데릭 버드 솔, 켄 갈랜드를 만날 젊은 앨런 플레처가있었습니다. 전설적인 Paul Rand의 밑에서 미국에서 그래픽 아트를 공부 한 후 Fletcher는 Fletcher / Forbes / Gill을 결성했으며, 여러 번의 화신 후 가장 중요한 디자인 에이전시 중 하나 인 Pentagram으로 변모했습니다.



'Alan Fletcher는 미국 디자인의 영향을 많이 받았습니다.'라고 Fletcher를 현대 영국 디자인의 중요한 촉매제로 언급 한 Shaughnessy는 말합니다. ``시각적 말장난과 시각적 농담의 사용은 그의 많은 작업이 아늑한 영국 전통주의의 더 날카로운 버전임을 의미합니다. 하지만 그가 Pentagram을 공동 설립 한 것은 영국 디자인에있어 큰 업적입니다. '

Fletcher, Forbes 및 Gill은 미국과 유럽 디자인의 결합을 바탕으로 Pirelli와 같은 사람들을위한 시대 정의 캠페인을 진행하는 동안 영국의 인프라 디자인은 혁명을 겪고있었습니다.

영국의 도로 표지판의 불규칙한 특성에 대해 우려하는 교통부는 London Transport의 일관된 브랜드와 정체성의 성공을 모방하고자했습니다. Jock Kinneir와 그의 조수 Margaret Calvert는 모든 고속도로와 도로 표지판에 대해 균일 한 모양을 만드는 임무를 맡았습니다. 이 새로운 파란색과 흰색 표지판은 Calvert에 따르면 그래픽 디자인의 절대적인 본질이었습니다. 명확하게 라벨이 붙은 직접적인 정보는 모든 혼란을 제거합니다. Kinneir와 Calvert의 표지판은 런던 버스와 검은 색 택시처럼 영국인처럼 빠르게 식별 할 수있게되었으며 전 세계 인프라 설계를 형성했습니다. 그들은 온라인 내비게이션 시스템에 여전히 영향을 미칩니다.



Kinneir 및 Calvert의 급진적 사인 시스템의 시각적 효율성과는 대조적으로 1960 년대 후반의 안구 폭발이었습니다. Alan Aldridge의 Cream and The Who에 대한 레코드 슬리브부터 일러스트 레이터 (및 호주의 전 패트 인 Martin Sharp)가 설립 한 Oz 잡지에 이르기까지 지하 언론과 음악 사업에서 색채와 에너지가 폭발했습니다. 미국과 유럽.

Shaughnessy는 '1960 년대의 반대 문화는 영국 그래픽 디자인의 발전에 필수적이었습니다. '문체 적으로는 아니지만, 이미지가 파괴적이거나 범법적인 목적으로 어떻게 사용될 수 있는지 보여주기 위해. '그래픽 디자인'이 예술이 될 수 있음을 보여주고 메시지와 코드를 전달하기 위해 만들어 졌다고 생각합니다. 그래픽 디자인이 좋은 맛과 좋은 매너라는 영국의 전통에서 벗어난 것은 이번이 처음입니다. '

이탈리아 미술 감독 인 게르 마노 파 세티 (Germano Facetti)의 지휘하에 펭귄은 클래식 브랜딩의 얼굴을 바꾸기 시작했습니다. Facetti는 Alan Aldridge를 포함한 유망한 영국 일러스트 레이터와 디자이너에게 스위스 디자이너 Jan Tschichold가 고안 한 표지의 견고하고 고전적인 프레임 워크에 실험적인 이미지를 작업하도록 의뢰했습니다. 이 조합은 독보적 인 브랜드를 유지하면서 책꽂이에서 Penguin의 현대적 입지를 한 번에 끌어 올렸습니다. 이 접근 방식은 오늘날까지도 견고한 디자인 관습으로 남아 있으며 Time 잡지의 템플릿 기반 표지를 포함한 예에서 여전히 볼 수 있습니다.

그러나 1960 년대의 환각적인 예술 작품의 폭발과 영향력은 음악과 패션에서 충돌했지만 금방 구식이되고 침착 해졌습니다. 이것과 일반적으로 자유로운 사랑 문화에 대한 마태는 펑크 운동의 손에 들어갔다.

Shaughnessy는 '[Punk]는 그래픽 디자인의 공식적인 전통을 버리고 자유로운 반 형식 주의적 표현 방식으로 대체했습니다. '그래픽 디자인은 고객의 광고 메시지 전달 이상의 용도로 사용될 수 있음을 모두에게 보여주었습니다.'

사실, 펑크 운동이 전달한 메시지는 포스트 모던의 초현실주의적인 혁명적 전화-무장-제이미 레이드의 현재 유명한 섹스 피스톨즈 작품에서부터 다음과 같은 팬진이 전달하는 DIY 미학에 이르기까지 스 니핀 접착제 . 이것은 의심 할 여지없이 조형적인 지하 작업이었습니다. 그러나 그들이 영감을 얻기 위해 계속되는 것은 전 세계의 영국 그래픽 디자인에 대한 인식을 바꿀 것입니다.

일러스트 레이터에서 원근 격자를 제거하려면 어떻게해야합니까?

대처주의에서 웹으로 1980-1995
1980 년 5 월에 한 번의 NME 편집자가 설립 한 작은 출판사가 얼굴 . 향후 20 년 동안 패션, 음악 및 청소년 문화의 스타일 비콘이 될 것입니다. 그러나 디자인의 한 부분으로서의 유산은 문화적 빛보다 더 밝게 빛나며 세계 패션 및 스타일 잡지의 템플릿 역할을합니다.

이 잡지의 초현대적 인 스타일의 주역은 Neville Brody였습니다. 이제는 영국에서 가장 유명한 디자이너 중 한 명입니다. 얼굴 , 모래 , 그리고 최근에 그의 재 설계 타임즈보호자 리서치 스튜디오의 신문. Brody는 친밀한 인물 사진과 결합 된 비 관습적이고 활자체로 대담한 레이아웃을 사용한 것은 폭로였으며 계속해서 편집 디자인을 형성했습니다.

1980 년대 이전에 영국 디자인은 전령 엠블럼, 장식용 타이포그래피 및 학술 일러스트레이션과 같은 전통적인 스타일에 관한 것이 었습니다. 그러나 그래픽 디자인은 팝 음악과 패션을 따라 잡았고 급진적, 거리 적, 반 설립 스타일을 수용했습니다. '라고 Shaughnessy는 말합니다. 그러나 이러한 스타일에 대한 집착은 Thatcher의 'loadsa money'문화와 밀접한 관련이 있으며 오늘날 급진적 인 스타일과 상업 스타일은 거의 동일합니다. 페이지에서 한때 혁명적으로 보였던 것 얼굴 이제 표준 상업 문화처럼 보입니다. '

많은 밴드 초기 문제 얼굴 특집 자체가 시각적 인 리노베이션을 진행 중이었습니다. 맨체스터에서 Factory Records는 다다이즘과 상황주의 이론을 산업화 된 미학과 결합했습니다. Joy Division, A Specific Ratio 및 The Duretti Column을 포함한 밴드의 비주얼 스타일을 감독 한 것은 맨체스터에 유산이 각인 된 젊은 디자이너 Peter Saville입니다. 그는 도시의 크리에이티브 디렉터이자 맨체스터시의 간판과 비주얼 아이덴티티를 담당하고 있습니다. 최근 Nike 및 Reebok 캠페인을위한 1980 년대 스타일의 그래픽 패키징과 La Roux를 포함한 수많은 밴드는 Saville의 트로프 중심 미니멀리즘을 계속 모방하고 있습니다.

Saville과 마찬가지로 Malcolm Garrett은 Manchester Polytechnic에서 그래픽 디자인을 공부했으며 20 대 초반에 도시에서 폭발하는 맨체스터 기반 포스트 펑크 밴드 작업을 시작했습니다. Buzzcocks를위한 Garrett의 작품은 언더 그라운드 펑크 미학을 도전적이고 지능적인 슬로건과 융합했습니다. 그는 Magazine, Boy George 및 Simple Minds를 포함한 밴드의 이미지를 만들었지 만 Duran Duran 앨범 표지에서 현재까지 Chrissie Abbott를 비롯한 현대 디자이너가 많이 그림을 그리는 그래픽 디자인의 시각적 상징 역할을하는 것은 그의 작업입니다. 개렛의 미학.

또한 얼굴 -그 뒤를 잇는 무수한 음악과 스타일 타이틀뿐만 아니라-Elvis Costello와 Barney Bubbles가 계속 작업했던 다른 Stiff Records 아티스트를 포함한 뮤지션이었습니다. Bubble의 1970 년대 후반 팝아트에서 영감을받은 스타일은보다 순수한 그래픽 형태로 성숙했습니다. Elvis Costello를 포함한 그의 앨범 아트 워크 내 목표는 사실입니다 미국 디자인 현장에 큰 영향을 미쳤습니다 (계속해서 그렇습니다. 예를 들어 Green Day와 같은 웨스트 코스트 팝 펑크 의상을 살펴보십시오). 한편, 3 개의 영국 음악 신문에 게재 된 수집 가능한 6 부작 포스터를 포함하여 출시를위한 Bubbles의 홍보 작업은 Penguin이 15 년 전에 관리했던 것처럼 상업적 관점에서 펑크의 언더 그라운드 접근 방식을 활용했습니다.

Shaughnessy는 'Saville, Brody 및 Garrett은 반문화의 스타일과 비유의 영향을받은 것이 아니라 격자, 활자체 이론 및 이미지와 색상의 통제 된 사용과 같은 급진적 인 유럽 모더니즘의 영향을 받았습니다. 이 디자인 혁명이 남긴 유산은 그다지 급진적이지 않았습니다. 그는 최근에 현대 영국 디자인에 대한 장을 썼던 디자인 작가 Rick Poyner가 지적한 점을 덧붙입니다. 영국의 디자인 , 새로운 디자인 박물관 책.

Poyner는 1960 년대와 1980 년대에 그래픽 디자인에 대한 상업적 및 문화적 수요가 경제 성장에 의해 주도되었습니다. 1980 년대에는이를 '디자인 붐'이라고 불렀습니다. 신중하게 고안된 시각적 신호를 통해 이미지를 표현한다는 아이디어는 1960 년대 초반에 이미 중요했습니다. 1980 년대에는 정체성의 표현으로서의 이미지에 대한 관심이 특히 젊은이들 사이에서 국가적인 집착이되었습니다. '스타일'은 경쟁이 치열한이 시대의 모든 것이 었으며 그래픽 디자인을 포함한 디자인은 사람이나 기업이 그것을 획득 할 수있는 마법의 장치로 간주되었습니다. ' 이것은 영국이 전 세계에 수출 한 스타일과 정체성에 대한 문화적, 상업적인 집착이었습니다.

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그러나 이러한 대중 문화의 상업적인 게리맨더링은 1980 년대와 1990 년대 디자인의 전형이되었습니다. 지하 운동이 디자인에 계속 영향을 미쳤지 만 (특히 1980 년대 후반과 1990 년대 초 산성 주택 문화) 지하가 노출되었고 Saville, Garrett 및 Brody가 취한 상황 주의적 입장이 주류에 동화되었습니다. 영국의 독립적 인 디자인 권위를 세계에 되살리려면 또 다른 혁명이 필요할 것이며, 디지털 새벽이 닥치자 새로운 유형의 디자이너가 성화를 맞을 준비가되었습니다.

디지털 혁명 1995- 현재
'Saville과 Brody로 시작된 영국 디자인의 급 진화는 Why Not Associates, Fuel, Cartlidge Levene, Tomato와 같은 그룹과 함께 크레센도에 이르렀고, 스위스 네덜란드에서 일어난 일과 비교할 수있는 그래픽 표현의 물결을 나타 냈습니다. 일본, 독일, 미국은 이미 그래픽 디자인에 급진적 인 접근 방식을 가지고있는 곳입니다. '라고 Shaughnessy는 영국 디자인의 황금기를 선택하라는 요청을 받았습니다. 아직 충분히 평가하기에는 너무 가까웠지만 초기 디지털 디자인 혁명은 데이비드 카슨, 카를로스 세 구라, 짐 마커스의 미국 주도의 그런지 미학이 소강 해지자 영국을 글로벌 리더로 회복 시켰습니다.

FUEL, Why Not Associates 및 Graphic Thought Facility와 같은 디자인 의상은 영국의 예술 및 디자인 대학에서 생겨 났으며, Saville과 Brody가 패션, 음악 및 영화를위한 디자인 작업에 예술적으로 관여 한 접근 방식을 병합했습니다.

Tomato는 더 나아가 영국의 그래픽 디자인과 음악 사이의 연결을 Underworld 밴드의 아트 워크와 융합 시켰습니다. 멤버 중 두 명은 사이드 프로젝트였습니다. 이것은 Lemon Jelly / Airside 및 기타 이중 디자인 및 음악 복장의 청사진을 마련했습니다.

이 새로운 유형의 디자이너 중 하나의 스튜디오가 눈에.니다. Shaughnessy와 Poyner는 둘 다 The Designers Republic (tDR)이 영국에서 가장 영향력있는 디자인 스튜디오 중 하나로 간주 될 것이라고 선언합니다. 창의적인 결과물과 입장 모두 : 'Ian Anderson은 팝 그룹처럼 tDR을 운영했으며 그렇게함으로써 그는 그래픽 디자인을 전문적인 영역에서 음악, 스타일 및 패션이라는 더 넓은 단어로 가져 왔습니다. '라고 Shaughnessy는 주장합니다. '지금 당연한 것으로 여기지만 예전에는 너무 달랐습니다.'

Faberge와 Marlboro 및 어린이 장난감 회사 Hasbro에 대한 V & A 박물관과 같이 다양한 고객을위한 tDR의 작업은 스튜디오의 재능의 다양성을 보여주었습니다. 그러나 고객은 마케팅 및 광고 브리핑을 이행하기보다는 직접 창의적인 의견을 얻기 위해 tDR에 온다는 것을 알고있었습니다. tDR에는 하우스 스타일이 없었지만 확실히 하우스 분위기가있었습니다.

포이 너는 '그때 디자인은 일상적인 대중 문화의 필수 요소로 여겨졌다. '그것은 매우 바람직한 직업 선택이되었습니다. 그래픽 디자이너는 디자인이 모든 종류의 효과적인 현대 커뮤니케이션에 필수적이며 그들의 시대가 왔다는 확신이 커졌습니다. 큰 확신, 시각적 발명 및 다양성의 작업이 계속되었습니다. 영국의 그래픽 디자인에 세계가 주목하기 시작한시기입니다. '

닷컴 버스트와 현재 사이에 소수의 영국 디자이너는 정치적, 문화적 영향을 상업 디자인과 결합하여 명성을 얻었습니다. Jonathan Barnbrook의 부분적 시위, 부분 예술 중심의 작품은 계속해서 윤리적으로 인식하는 디자이너 세대에게 영감을주고 있으며, Brendan Dawes의 magneticNorth 및 비디오 슈퍼 스튜디오 메인 프레임과 같은 최첨단 웹 및 인터랙티브 디자인 스튜디오는 고전적인 그래픽 디자인과 기술적으로 진보 된 디자인을 혼합했습니다. 모션 및 인터랙티브 작업.

이 새로운 분야에서 영국 디자인은 40 년 전처럼 여전히 영향력이 있습니다. 고독한 총이 협업 기업과 스튜디오의 성장으로 대체되었지만 개인은 여전히 ​​표를 만들 수 있습니다. Kate Moross와 같은 일러스트 레이터는 패션, 음악 및 일러스트레이션 아트를 Cadbury 및 Nike와 같은 글로벌 브랜드의 디자인 작업에 지속적으로 융합하고 Form, Attik 및 Studio Output과 같은 스튜디오는 패션과 순수한 그래픽 디자인 미학 사이의 문화적 기준점을 짜고 있습니다.

하지만 스타일은 어딘가에서 생겨나 야합니다. 런던은 세계의 음악과 디자인의 수도로 여겨 질 수 있지만, 가장 수출 가능한 상품으로 계속해서 작업을 디자인하는 것은 영국의 이타적이고 예술적인 태도입니다. ``흥미롭게도, 현재의 금융 위기의 결과로 소비 이전의 디자인 아이디어가 특히 미국에서 복귀하고 있습니다 .``라고 Shaughnessy는 믿습니다. 그가 옳다면, 차세대 영국 디자이너들이 세상에 자신의 표를 남길 수있는 은신처가 될 수 있습니다.